The Miracle (Of Joey Ramone) + The Electric Co. + Iris (Hold Me Close) + Cedarwood Road + Song For Someone + Sunday Bloody Sunday + Raised By Wolves + Until The End Of The World + Mysterious Ways + The Crystal Ballroom + Sweetest Thing + Every Breaking Wave + Bullet The Blue Sky + Pride (In The Name Of Love) + With Or Without You + City Of Blinding Lights + Where The Streets Have No Name
(Setlist completo del show)
Fecha: 29/06/2015
Recinto: United Center
Ciudad: Chicago
País: USA
Listado de temas:
Gloria + I Will Follow + Iris (Hold Me Close) + Cedarwood Road + Song For Someone + Until The End Of The World + Mysterious Ways + Desire + Lucifer’s Hands + Every Breaking Wave + Bullet The Blue Sky + Pride (In The Name Of Love) + All I Want Is You + City Of Blinding Lights + Where The Streets Have No Name
(Setlist completo del show)
Fecha: 28/06/2015
Recinto: United Center
Ciudad: Chicago
País: USA
Listado de temas:
Ric Lipson de Stufish Entertainment Architects trabajó como escenógrafo para el iNNOCENCE + eXPERIENCE Tour de U2, compartiendo tareas con Es Devlin, pero aclarando de su propio equipo con base en el Reino Unido que “tratamos de evitar créditos personales ya que es un esfuerzo de equipo de Stufish. Fui incluido en el equipo creativo por Stufish porque estuve personalmente involucrado con la creación, pero el estudio está referenciado en el crédito del equipo creativo y también se incluyó más tarde en las compañías involucradas con el show.”
Trabajando bajo la dirección creativa del colaborador de siempre de U2, Willie Williams, como Devlin, Lipson se subió abordo a principios de 2013, cuando el fallecido Mark Fisher aun estaba vivo. “Fui acercado por Mark, habiendo trabajado con Willie en algunos otros espectáculos, comenzamos con los diseños,” dice Lipson. “Al principio planeamos hacer tres noches separadas y diseñamos un escenario que se transformaría en diferente formaciones para los tres shows. Trabajamos en muchas ideas incluso antes que Mark falleciera, pero entonces, con el subsecuente retraso de la gira, desarrollamos muchas de las ideas sobre el final de 2013 y a través de 2014 hasta arribar al diseño final a fines del año pasado.”
Lipson señala que el show está basado alrededor de la fuerte narrativa diseñada con Willie, Es, la banda, y con otros miembros del equipo creativo, que incluyen al músico Gavin Friday y la coreógrafa Morleigh Steinberg. “Una vez que las ideas esbozadas fueran desarrolladas, luego volvería al estudio de Stufish para trabajar con mi equipo y hacer los dibujos CAD en escala real, las animaciones y las renderizaciones,” dice. “Es trabajaría, entonces, con su equipo para hacer las imágenes y extender los variados elementos estilísticos y narrativos dirigidos en imágenes. Las presentaciones a las bandas tendían a ser un resultado híbrido del trabajo entre Stufish y Devlin. Una vez que el diseño general fue cerrado, Es tendía a trabajar con Willie más en el contenido y flujo narrativo del show, mientras nosotros trabajamos con Jake Berry [manager de producción] y Tait para asegurar que todos los detalles, acabados de los materiales, prototipos y entrega técnica funcionara completamente.”
Mientras los actuales renderizados fueron hechos por Stufish, Lipson menciona que el estudio de Devlin los desarrolló en lo que él llama “las más artística imaginería que describió la narrativa. Nuestras animaciones y renderizados sirvieron para ayudar a vender la experiencia dentro de toda la arena junto con el muy importante entendimiento de cómo la pantalla, la larga pasarela y el sonido principal, afectarían las líneas de visión y cómo el show podría ser vendido en consecuencia. Nuestros renderizados jugaron un papel muy importante en ayudar a decidir cómo funcionarían los tickets.”
La participación de los miembros de la banda en lo creativo ha influenciado en el show final, y Lipson dice que algunas de las ideas del show narrativo de las primeras reuniones han permanecida contantes. “La idea de la bombilla de luz, la división, la inclusión de la narrativa de los problemas en Irlanda, Cedarwood Road, donde Bono creció, y los coches bombas, todo vino de ideas de la banda,” dice Lipson. “Ellos fueron muy claros con que querían romper con la cuarta pared con la audiencia y concentrarse más en la intimidad del show de arena para encontrar una nueva forma de acercarse a más gente.”
Explorando la temática de crecer en Irlanda en los 70, los miembros de la banda querían representar el tema del “punk” en el diseño de la gira, como así también la idea de un paso subterráneo “como un lugar de peligro con sus luces fluorescentes crudas,” dice Lipson. “Las ideas para materiales reales que se sintieran fuertes y urbanos sin ser un pastiche fue importante. Aquí es donde apareció el acabado para luces de subterráneos, y la escalera como el piso acanalado del escenario que tiene líneas negras y plateadas. Fue importante que la pantalla pudiera desaparecer. El producto V-Thru [de PRG Nocturne] jugó un papel importante en esto, pero nosotros también desarrollamos toda la estructura con Tait para que la pantalla fuera tan transparente como sea posible con un piso rejilla, y con accesos abiertos, y la estructura y el cableado fueron cuidadosamente pensados para ayudar a mantener a la pantalla tan transparente y monolítica como sea posible. El color amarillo arribó bien al principio como algo que U2 había usado antes, pero quisimos reusarlo como una marca. Stufish diseñó el logo de la gira. Esta pincelada continua de un amarillo brillante formó el logo, que fue entonces marcado en la superficie del escenario para explorar la idea de las etapas de la inocencia y la experiencia. Trabajamos duro con Tait para encontrar una solución que permitiera una línea continua de LEDs iluminando un plexiglás amarillo que dibujaría el logo a través del piso. Esto fue muy efectivo y creo una muy fuerte estética para el show.”
Fuente: LiveDesign.com
LiveDesign.com publica la continuación de la chara con Willie Williams, el director creativo del iNNOCENCE + eXPERIENCE Tour de U2. La parte 1 y 2 la puedes leer desde acá.
Live Design: ¿Cuáles fueron tus desafíos en el proceso de diseño?
Willie Williams: Supongo que el mayor desafío es no repetirnos mientras trabajamos dentro de “normas de combate” sorpresivamente estrictas. Los requerimientos del grupo de asistentes y de equipos detrás de la banda, conocido como backline, el monitoreo y todo lo demás, está lejos de lo insignificante. Por mucho tiempo, nos propusimos hacer del backline un “bunker” que ocultan a los asistentes y al equipo, pero en última instancia, solo hace las cosas feas. Los requerimientos técnicos para una actuación de U2 son muy concretos, y la presencia del escenario se ha mantenido bastante igual en los últimos 25 años. Hemos ajustado un poco las formas de gira a gira, pero el diseño básico del escenario y del bunker siempre está ahí. Eventualmente, comprendí que no tiene sentido luchar contra eso, así que opté por un enfoque temático, con un escenario que recuerda a su período de “Inocencia”. El escenario cuadrado es, de hecho el escenario de The Joshua Tree. Es exactamente el mismo, una trivialidad que ha sido notada y disfrutada por varios de la comunidad de U2.
Live Design: ¿Qué pasa con los desafíos o cambios en el ensayo? ¿La mayoría de las ideas en el papel se terminaron realizando?
Willie Williams: Una de las cosas más remarcables acerca del show es que casi todas las ideas de las cuales hablamos desde el principio fueron realizadas. Algunas de ellas han terminado siendo expresadas en diferentes maneras que el pensamiento original, pero el espíritu de ellas ha sido respetado, algo que encuentro extremadamente satisfactorio. La narrativa de la bombilla de luz, el dormitorio de adolescente, la calle donde creciste, la violencia dentro y afuera, y el escape del “el mundo” de afuera ha visto muchas iteraciones diferentes a lo largo del camino, pero aun están todas ahí.
Live Design: Cuéntame acerca del equipamiento de iluminación y los accesorios que elegiste.
Willie Williams: La iluminación es realmente muy simple, y, no te rías, en realidad muy minimalista, de forma extendida por toda la arena. A primera vista, la puesta en escena se parece bastante a una configuración de escenarios “A” y “B” con una pasarela entre ellos. Sin embargo, las diferentes partes de la escenografía son usadas en diferentes momentos y cada área, incluyendo la pasarela y la “pantalla de video”, son áreas de actuación propiamente dichas. La gran superficie de la escenografía significa que necesito un buen número de accesorios, pero se utilizan con mucha moderación.
Consecuentemente, me encontré trabajando de una manera minimalista en una escala muy grande. Como a menudo parezco hacer, me las arreglé nuevamente para diseñar un ambiente con posibilidades de ubicación extremadamente limitadas para los instrumentos de iluminación. Cuando el “escenario-pantalla” es desplegado, corta el espacio a la mitad, haciendo realmente muy difícil iluminar las áreas escenográficas. La configuración también demanda grandes alturas para las líneas de visión así que, cuando se trataba de eso, el equipamiento se diseñó más o menos en torno a los parámetros dados.
El diseño del equipamiento es muy simple; hay tres armaduras por encima del escenario cuadrado y armaduras más alejadas que siguen la línea del borde de la pista de la arena. El estado de ánimo del escenario cuadrado es de rock and roll directo, recordando fines de los 70 y principios de los 80, que es temáticamente donde esa parte del show se establece. Esencialmente, hemos construido un club de punk, y queríamos sumar esa clase de sensación en el equipamiento.
A nivel piso, hay unas luces estroboscópicas vintage que dan una fantástica sensación color amarronado de baja temperatura. La confiabilidad de estos equipos es lo que más disfruto.
El accesorio destacado es un tubo fluorescente enjaulad, inspirado de lo que puedes encontrar en un paso subterráneo o baños públicos pocos fiables. Al principio, fui insistente en usar tubos fluorescentes reales pero me contaron acerca de algunas pesadillas que estos tienen, al final, estuve de acuerdo en ir con equivalentes LED blancos pero solo bajo la condición de que cada unidad fueran de un solo circuito y que no fueran capaces de cambiar de color.
Mis operadores/programadores, Alex Murphy y Sparky Risk, han pasado muchísimo tiempo buscando simular el parpadeo aleatorio del tubo fluorescente y los efectos estroboscópicos no lineales. Sparky ha hecho que me sienta muy orgulloso por su aprovechamiento de accesorios estroboscópicos manuales que se siente como un viaje lumínico en el tiempo. Todo se siente mucho más orgánico y humano que cualquier cosa que se obtendría con una máquina de efectos.
Los PRG Bad Boys y Best Boys son las unidades más confiables. Las elegí principalmente por su salida, dada las distancias de proyección involucradas y mi deseo de minimizar el número de accesorios. Las tres vigas por encima del escenario cuadrado suman un total de 16 accesorios, ¡que es menos de lo que teníamos en el War Tour de 1983!
Los cañones de seguimiento siempre fueron un problema para este diseño, ya que “frente de escenario” es un término sin sentido aquí. Chris Conti de PRG me mostró las luces Bad Boys hace un tiempo atrás, que acapararon mi interés. La idea de ser capaz de anillar la arena con vigas de cañones haría que el trabajo de los seguidores del frente de escenario pareciera una buena solución y la continuidad de color, luces decorativas, los oscuros, los acercamientos, y todo lo demás que habíamos tenido usando Bad Boys fuera muy atractivo. Estaba nervioso acerca de poner todos mis huevos en esa canasta en particular, porque si la salida no alcanzaba las expectativas, hubiera estado realmente jodido.
Live Design: ¿Dentro de los detalles de tu equipo de iluminación, hay algo nuevo que hayas probado y gustado?
Willie Williams: He disfrutado de los equipos Bad Boys de PRG, particularmente con los que consigues un acercamiento adecuado, en vez de los que solo manejan el cambio de tamaño. Es difícil de comprender que tanta luz puede salir de tal objeto pequeño.
Me encantan los tubos fluorescentes enjaulados. Tienen su propio arco narrativo durante el show, que es posiblemente, el primero para un instrumento de iluminación. Para empezar, ellos definen el club de punk, simplemente los dejamos encendidos continuamente por alrededor de la primera media hora del show. Después, cuando la pantalla/puente desciende bien abajo, los tubos enjaulados superiores e inferiores se convierten en un intimidante “paso subterráneo” antes de las bombas. Finalmente, en el final del show reaparecen, algunos horizontales, algunos verticales, extendiéndose desde el escenario y formando una hermosa “ciudad de luz” como si todos estuviéramos redimidos yendo al cielo (o algún otro lado).
Es bastante agradable el hecho de que son manualmente operados. La gente de Tait querían que se levantaron mediante brazos hidráulicos, o algo como eso, pero tengo a Nick Barton y los asistentes dando vueltas por el borde del escenario y lo paran cuando lo necesitamos.
Live Design: ¿Cómo es creado el contenido de video?
Willie Williams: El contenido de video para este show está lejos del azar y es extremadamente importante para la narrativa. Bono tenía muchas ganas de que no tuviéramos “demasiado sabores,” sin la diversa selección habitual de ideas de contenido desconectadas de canción a canción.
Siempre supimos que el show iba a ser de dos partes, Inocencia y Experiencia, así que Bono preguntó si podíamos tener un artista que supervisara cada parte. Muy tristemente, desde el 360º Tour, hemos perdimos a Run Wrake, el pilar de nuestro contenido de video, por el cáncer, así que nos encontramos empezando de cero.
Sam Pattinson, mi productor de video desde hace mucho tiempo, miró muchos trabajos y encontró algunos grandes talentos, así que empezamos a poner una lista con los mejores. Es algo difícil traer a un nuevo artista a un entorno de show de rock porque se requiere de un poco de cambio de mentalidad para estar cómodos con nosotros, esencialmente con su trabajo. También, dada la fuerza de la narrativa, realmente no estábamos buscando tanto ideas de contenido sino que ejecución, que también había sido un poco difícil. No estábamos buscando toda una nueva interpretación de las canciones.
Finalmente, la manera en la que funcionó fue que, con el equipo de The Third Company, comenzamos a hacer las primeras versiones del contenido. Estas sirvieron como demos para mostrarle a la banda y también como plantillas para la posterior reelaboración cuando diéramos en el clavo con el estilo requerido. La primera parte tenía que ser de muy artesanales y recortados gráficos con sentimiento punk, reflejando la influencia de Linder Sterling y otros del período punk. La parte dos tenía que ser una visión de alta resolución del resplandor del futuro, representando el extremo opuesto. Trabajamos con algunas personas geniales a lo largo del camino. Xaver Xylophon de Berlín hizo algunas de los primeros renderizados, con contribuciones de grandes del video como Kevin Godley e incluso Damien Hirst.
Al final, los dos artistas que representaron las dos mitades son Oliver Jeffers, un artista e ilustrador infantil del Norte de Irlanda, y Jeff Frost, un joven cineasta residente de Los Angeles. Los dibujos naif de Oliver se han convertido en el estilo de la casa para el primer acto mientras que las extraordinarias stop-motion, time-lapse y paisajes naturales en alta resolución de Jeff se volvieron nuestro destino en el acto dos.
Live Design: ¿Hay efectos especiales?
Willie Williams: No, excepto por la neblina, por supuesto. Ah, y ocho máquinas de papel picado que bañan a la audiencia con páginas de Ulises, El Señor de las Moscas, Los Salmos, y Alicia en el País de la Maravilla. Bono me dijo un día, “Cuando explotaron la biblioteca de Sarajevo, las páginas de los libros cayeron como lluvia en la ciudad por días. Palabras, poemas, frases, todo mezclado, cayeron en las mandos de las personas. ¿Crees que podremos recrear eso?”
Live Design: ¿Hubo problemas técnicos que cambiaron el diseño al final?
Willie Williams: El peso fue un problema enorme. La pantalla/escenario era inicialmente de 24 metros de longitud y llenaba toda la pasarela pero, combinado con el enorme peso del sonido principal y las estructuras, hacía imposible para la gira.
Live Design: ¿Algún otro desafío?
Willie Williams: El elefante en la sala, por supuesto, es que Mark Fisher no esta aquí. Felizmente, él estuvo lo suficientemente bien como para asistir a las primeras reuniones que tuvimos acerca de este show en marzo de 2013. Fue la primera vez que el equipo creativo se reunió con la banda, así que muchos de nosotros no nos habíamos visto por un par de años. También fue la primera que Ric Lipson y Es Devlin se vieron con la banda, pasando a convertirse en mis principales colaboradores en el diseño.
Tristemente, Mark fue capaz de asistir a no más reuniones en persona, pero aparecía vía Skype una o dos veces. En su reunión final, no se sentía bien como para salir vía Skype así que pasó la reunión como una voz incorpórea saliendo de la laptop de Ric. Mark no había hablado por un rato, y la conversación giró en torno de cómo nos gustaba que los escenarios “fueran” algo, un objeto real o una abstracción de eso. Bono nos pidió a todos que pensáramos en un objeto que resumiera a U2, ya que podría ser una pista para el diseño del escenario. Todos comentamos nuestros pensamientos, y entonces Bono se inclinó sobre la laptop y preguntó, “¿Y tu Mark? ¿Qué piensas?” Hubo una pausa larga, y entonces escuchamos, “¡Una maldita cruz! ¡¿Por qué no solo lo hacen, y ponen una maldita cruz en el medio del estadio?!”
Todos nos reímos pero tomamos sus palabras en serio. Cuando los tubos fluorescentes enjaulados adoptan la configuración final como la ciudad de luz, algunos están horizontales y algunos verticales así que, aquí y allí, desde ciertos ángulos, puedes ver las malditas cruces de Mark. Pensamos en él cada vez que aparecen.
Fuente: LiveDesignOnline.com - Parte 3 y Parte 4
Bono confiesa que no se siente particularmente vivaz mientras se sienta en una mesa de un pequeño restaurante francés en las afueras de Montreal, donde U2 ha completado una serie de cuatro conciertos consecutivos y todos con los tickets agotados.
Solo ha tenido unas pocas de horas de sueño y “desperté esta mañana como si alguien metió un soplete en mi garganta.” En noviembre, fue seriamente lesionado en un accidente de bicicleta en Central Park de Nueva York, y aun se está recuperando. El daño en el nervio le ha dejado parte de su brazo izquierdo con una sensación de entumecimiento y dos dedos en su mano izquierda con movimiento limitado, que le impide tocar la guitarra.
“La sensación es que regresa (el brazo) un milímetro a la semana, y no voy a saber por meses cuánto de el va a volver,” dice, mirando desde detrás de sus gafas con marco dorado. “Puede que necesite más cirugía para finalmente tocar el traste” de la guitarra.
Pero sigue siendo una figura energética tanto sobre como abajo del escenario. En este tranquilo suburbio canadiense, exactamente no se confunde en el escenario con su atuendo de cuero y pendientes de oro. En la actual gira de U2, que arribó este miércoles para una estadía de cinco noches en el United Center de Chicago, él hace de narrador / guía turístico / cantante en el viaje virtual de la banda desde sus profundas raíces en el norte de Dublín al presente.
Entre las fechas en el Bell Centre de Montreal, encontró tiempo para visitar al Primer Ministro de Canadá, Stephen Harper, y a miembros del Parlamento en Ottawa para hacer lobby por la lucha contra el SIDA en África. A pesar que se ha convertido en una pararrayos para los detractores que acusan a la banda de perder sus ideales al llegar a acuerdos con mega corporaciones tales como Apple y Live Nation, el cantante se mantiene como un efectivo defensor de los países del Tercer Mundo. Sus organizaciones ONE y (RED) han sido acreditadas siendo la punta de lanza en la condonación de la deuda y la creación de empleos en los países más pobres, y asegurando la financiación para combatir al SIDA y a la malaria, y mejorando la educación en África y otras áreas empobrecidas.
El actual iNNOCENCE + eXPERIENCE Tour con sus compañeros de U2 desde la infancia, el guitarrista The Edge, el bajista Adam Clayton y el baterista Larry Mullen Jr., es donde todas esas historias y contradicciones personales y públicas se unen. El show se centra en el disco de la banda de 2014, Songs Of Innocence, y se expande trazando el crecimiento de la banda desde los advenedizos adolescentes de Dublín en los 70 a los conflictivos ciudadanos de un mundo violento. Es un viaje personal que se transforma en un comentario político y social del poder de la comunidad.
Sin nada más, la gira encuentra a U2 nuevamente explorando la multimedia de una manera que expande las posibilidades y el potencial del show en una arena, comparable a la manera del ZooTV Tour de 1992-93, que revolucionó el arte de las actuaciones en vivo. En la entrevista, Bono revela algo del funcionamiento interno de la gira y de la banda:
La primera parte del show es realmente oscura. ¿Hubo alguna discusión dentro de la banda de que no funcionaría en un show en arena?
Sí, la hubo. Pero la gente (los fans) nos permiten tener ese nivel de intensidad. Lo que me sorprendió, es que parecen ser capaces de seguir una narrativa que era tan personal y específica, el norte de Dublín, un país inmerso en la guerra. Mis tragedias son menores en comparación con otras. Edge me cuestionó las letras, me ayudó a escribirlas, y dice, “No lo hacemos nostálgico.” “No lo hacemos sentimental.” Pero nos permitimos hacerlo melancólico. Eso sería Irlanda. Está en la lluvia (risas). Pensé que si podía ser realmente sincero acerca de la situación que me trajo hoy hasta aquí, que nos trajo, a la banda, hoy hasta aquí, quizá otras personas pudieran verse reflejadas en eso. El primer amor, la primera pelea, la primera tragedia, el disco trata acerca de esas primeras experiencias. Quizá la gente pueda sentirse parte. Edge aun está, “Ehh.” “Es arrogante pensar que la gente pueda verse reflejada.” “Es extremadamente arrogante la idea de pensar desde el principio que cualquier sentimiento que tienes es importante o relevante para alguien más.” ¿Así que deberíamos dejar de escribir cada novela que escribimos, cada poema? Así es como hacemos esto, escribir y hacer daño. Algo como “Iris” (una canción acerca de su madre, que murió cuando Bono tenía 14 años), me hizo arrepentir en el último minuto. Algunos días antes de que el disco fuera lanzado traté de sacar la canción. Estábamos haciendo este homenaje a todas esas bandas punk que nos encantaban, y aquí está esta canción acerca de la pérdida de mi madre. ¿Qué tan punk es eso? Entré en pánico, “Saquémosla.” Ella falleció cuando yo tenía 14 años, fue en septiembre hace 40 años. Pero no podía recordar qué día. Le mandé un mensaje de texto a mi hermano, él no lo recordaba. Le escribí otro mensaje a mi tío Jack, y me hizo dar cuenta que ese día en el que estaba tratando de sacar el disco fue el mismo día, 40 años atrás, que ella se desvaneció mientras estaba junto a la tumba de su padre. Ella tuvo una aneurisma y nunca la volví a ver ni pude hablar con ella nuevamente. Esa especie de coincidencia cósmica me dio el coraje para confiar en mis instintos. Tienes que ser lo suficientemente valiente para ser emocionalmente directo. Eso es lo que aprendí de John Lennon.
Hay mucho material nuevo en el show y no hay ningún hit en el disco. ¿Hubo preocupación de que no conectaría?
Salimos en esa primera noche (el 14 de mayo en Vancouver) sin saberlo. Resultó ser una experiencia exultante. En el ZooTV Tour (la gira de 1992-93 que también hizo hincapié en el nuevo material) la gente estaba envuelta en las luces, pero esta fue más directa. Mi amigo Gavin (Friday) que creció conmigo en Cedarwood Road, dijo que hay que explicar la narrativa. Explicar a la gente cuando me levanto en el divisor, “Vengan conmigo a Cedarwood Road.” Dice, “Explica lo que está sucediendo en las canciones, y será coherente.” Funcionó.
En el show, tu yo más joven tiene una conversación con el Bono estrella de rock, y te desafía. Te acusa de perder la vista en lo que una vez creíste, como si estuviera parado en lugar de alguno de tus fans. ¿Qué es eso?
Eventualmente, a través del ensayo y error, aprendes que el compromiso no es una mala palabra. Le digo al yo más joven, “Trato de contar a un joven que las ideas merecen un plan, trato de hacer un mundo mejor para cada mujer y hombre… Me siento como un fraude, aunque se que no lo soy, trato de hacer lo mejor con todo lo que tengo, que no es mucho a excepción de no ser capturado con mis pantalones bajos y mis manos arriba.” Me gusta pensar que gané la discusión (risas). El yo joven aun está sacudiendo su cabeza. Ya no es “nosotros y ellos”, ahora es solo acerca de “nosotros”.
Cuando te refieres a los recientes conflictos raciales diciendo, “No puedo respirar” y “Tengo mis manos arriba”, pareces estar desafiando a Norteamérica, cuestionando sus valores. ¿A qué quieres llegar allí?
Es el yo más joven protestando contra la Norteamérica militarista. Salió de “Bullet The Blue Sky”, que originalmente trataba acerca de la intromisión de los Estados Unidos en Centroamérica. El descubrimiento para mí varios años atrás fue que Norteamérica no era un país, sino que una idea. Eso significaba que estaría completo. No está finalizado, aun está siendo formado, y me siento una parte de eso, y quiero ser parte de eso. Todos tenemos un interés en Norteamérica siendo lo que se propuso ser.
Personalizando, ¿estás tratando de animar a la gente que pudiera sentirse que son incapaces a desempeñar un papel más activista?
Alguien probablemente debería sondear a nuestra audiencia. Muchos de ellos están involucrados de alguna manera en su comunidad local. No es de rigor para ser un fan de U2, puedes venir y chapotear, no tienes que meterte en lo profundo del agua para ser un fan de U2. Pero un montón de ellos quieren que el mundo sea mejor, quieren ser parte de una solución, y están involucrados. Como John Lennon dijo, no tienes que tomarlo. El mundo no tiene que ser de la forma en la que es. Puedes patearlo, persuadirlo, puedes ayudar a darle una mejor forma. Cuando eres joven hay una gran claridad. La extraño. Pero a medida que te haces mayor, te das cuenta que uno de los mayores obstáculos que tendrás que atravesar en tu vida es tu mismo. Eso comenzó en nuestra música con Achtung Baby (el disco de 1991), que es cuando nos metimos con la hipocresía del corazón humano.
El show defiende las canciones, pero la producción de Songs Of Innocence es insulsa, las despersonaliza. ¿Sientes que el disco logró lo que querías?
Si soy honesto, hay algo acerca del sonido de la grabación que es un tanto demasiado organizado. Eso es lo que sucede cuando pasas tanto tiempo en el estudio. Pero es llamado Songs Of Innocence por una razón. Ese es el desafío con esta banda después de todos estos años, componiendo, no fuegos artificiales sónicos o experimentación. ¿Podemos escribir canciones que verdaderamente se sostengan? Hablando de nuestros amigos Damien Rice y Glen Hansard, los trovadores, ellos solo tienen una guitarra, así que sus canciones y palabras se sostienen mejor. Con una banda puedes ocultarlo, unas cuantas incongruencias buenas aquí, esbozar un terreno, puedes ocultar el hecho de que las canciones no están ahí. Pero en este disco siento que podemos tocar 10 de ellas (en el show). Como intérpretes, tenemos ese segundo sentido de cuando una canción está en el otro lado. Sabemos lo que está pasando en la sala. O funciona o no lo hace. Tenemos alguna ayuda extra en el departamento de narración con este aparato (multimedia). Pero se que puedo cantar estas canciones en este restaurante con una guitarra y ellas funcionarían.
Los visuales del concierto mejoran el aspecto narrativo de las nuevas canciones, y el aspecto multimedia del show en arena siempre ha sido una de las fortalezas de U2. ¿Cuáles son los orígenes de eso?
“Spider-Man* (las canciones de Bono y Edge para el musical de Broadway de 2011) hizo interesarnos en teatro, no solo a hacer algo diferente, sino que también hablando de (Paul) McCartney, que nos dijo que los Beatles fueron influenciados por Rodgers and Hammerstein. Esos acordes que los Beatles compusieron, está Gershwin ahí. (En Dublín durante los 70) todos éramos los Clash, y los Clash hablaban sobre su público como el “nosotros”. No hay división, es nosotros. Y les creímos. Hemos aprendido, que hay artistas que les gusta bastante la distancia que el escenario les da a ellos, y hay bandas a las que no. Fuimos a ver “Jerusalem” en Broadway, con Mark Rylance, fue muy influyente. (Bono se levanta y actúa el inicio de la obra…) Hay una inmediata sensación de que él (Rylance) va a estar en tu vida, en tu rostro, ciertamente en tu vida emocional. Iggy Pop y Patti Smith son como eso. Iggy fue una muy importante influencia, no solo un letrista, artista y músico extraordinario, sino un intérprete. Siempre tratando de romper la cuarta pared. Eso comenzó con una banda punk, y mi revelación acerca del rock de estadio fue que no tiene nada que ver con la proximidad física, sino que con la proximidad emocional. Uno podría estar en un club bien cerca, y la banda se planta como “tomen mucho de mí, aquí está otro pensamiento que tuve que probablemente no entiendan.” Todas esas personas diciéndoles (a las bandas de rock) que no se vayan a las arenas, todo eso es un montón de pendejadas. Comienza con proximidad emocional, y puedes usar la tecnología para crear la proximidad física. Volviendo a (U2) estando en clubes, metiéndose en el público con una bandera blanca, y metiéndose en una pelea a puñetazos a causa de ella.
Los visuales también funcionan porque en su esencia, estas interpretaciones totalmente despojadas recuerdan a los primeros días en la era del punk. Para mi una canción potencialmente sentimental como “Iris (Hold Me Close)” encaja con eso. A pesar de tus dudas con ella, ¿piensas que funciona como parte de eso?
Creo que funciona en ese marco porque es emocionalmente muy cruda. La historia detrás de esa pieza de video (que acompaña a la canción en el concierto), es que un amigo de un amigo de un amigo se encuentra con mi hermano en un aeropuerto, y dice que sabe de alguien que tiene un video de la familia. No teníamos imágenes de ellos, solo algunas fotografías, las cuales no solemos ver por ese clásico estilo de macho irlandés. Y lo pusimos, y al ver a mi madre moviéndose… Ella es joven, 23 años, jugando en ronda. Todos tienen esos recuerdos familiares, pero somos buenos para suprimirlos. Cuando estábamos escribiendo las canciones, estaba tratando de escribir esas memorias para recordarlas. Llegué a esa línea, “Iris dice que será la muerte de ella / No era yo”, solo me detuvo. No estaba seguro de lo que significaba. Me di cuenta que cada chico que pierde a su madre piensa que su madre lo abandonó. Incluso si su madre es impactada por un auto, “Ella me dejó.” Y el dolor se vuelve ira. Esa es la historia del rock and roll, abandonos de madres. Se remonta al blues: “A veces me siento como un chico sin madre.” Es Paul McCartney, Johnny Lydon, muchos de nosotros. Con el hip-hop es el abandono del padre lo que es el catalizador central. Con el rock and roll, son las madres. Así que vas a eso, tratas de revertir esa herida en una apertura, en algo fantástico, como la música. Es por eso que la canción “Volcano” le sigue a “Iris” (en el disco), puedes sentir esa estrella subiendo. “Te haces daño tratando de aferrarte a lo que solía ser.”… Tienes esos acordes bluseros, (canta): “Estás solo, pero no estás solo, estás solo, ahora eres rock and roll.” Y escuchas al público cantar, y estás en el público en un concierto punk. No estás solo. Esa no es solo mi historia, sino que la historia de mucha gente. Nos aferramos firmemente al rock and roll por una razón.
Recibiste un montón de críticas por la auto-descarga de iTunes. Pero más allá de la controversia, eso habla sobre la gran cuestión de bandas experimentando con nuevos métodos de entrega de sus materiales. ¿Qué crees que U2 hará cuando lance el próximo disco?
Estamos trabajando en un nuevo formato. Pero aun no lo conseguimos. Lo genial de trabajar con Apple es que es una compañía muy creativa. Steve Jobs fue muy amable con nosotros, porque el comercial del iPod de U2 fue un extremadamente exitoso para ellos. Le dije a Steve, “¿Por qué no miras a iTunes, para un hombre tan estético como tu mismo, no es como mirar una planilla de cálculo? ¿Por qué esta imagen (la tapa del disco) no está en toda la pantalla, y por qué no se puede mover? … ¿Por qué no puedo, si estoy escuchando “In A Silent Way?” (de Miles Davis), por qué no puedo ver todas esas fotos de Herman Leonard de Miles, todo ese otro mundo? ¿Si estoy escuchando a Leonard Cohen, por qué no puedo ver las letras? Para obtener algunas respuestas, va a pasar algún tiempo. Ahora siento que le debo a Steve, siento que le debo a mis amigos músicos una oportunidad para que la música se vuelva más envolvente de alguna manera. Tener esto en tu iPad o en TV plana de tu hogar, empequeñecería incluso al sobre (del vinilo), que era importante. No estabas caminando por la calle con una pieza de vinilo en tus manos, era la tapa lo que decía lo que tenías. CDs, MP3s, vamos, son muy insatisfactorios. Hay una mejor manera. Estamos trabajando en ella. Si estará a tiempo para el próximo disco, ya veremos. Todos saben que el modelo está roto. Tenemos que experimentar. Eso es lo que Apple está haciendo.
Regalaste Songs Of Innocence en iTunes antes de ponerlo a la venta. ¿Eso significa que sientes que la música gratuita es el futuro?
El disco fue un regalo. Apple nos pagó, pero no la ridícula suma que se reportó (100 millones de dólares). Lo “gratis” afecta a nuestros amigos que son compositores. No estoy hablando de nosotros, estamos bien. La gente dice, “Toca en vivo, has dinero con remeras.” ¡Váyanse a la mierda! Esos servicios de streaming como Spotify son buenas alternativas gratuitas. Pero para convertirse en una alternativa para música paga, el modelo tiene que cambiar. Si ellos cancelaran lo gratuito ahora, la gente simplemente se iría de vuelta a BitTorrent. Creo que la industria de la música necesita organizarse mejor y experimentar con diferentes enfoques. Lo estamos intentando.
Necesito preguntarte acerca de tu larga asociación con Live Nation (la corporación que monopoliza efectivamente las industria de las giras y de la venta de tickets). Eres un idealista…
Soy un pragmático.
Está bien, mi error. Pero esta es una banda con ideales que aun están buscando cambiar el mundo de una forma positiva con su activismo y presión en defensa de algunas causas dignas. Has hecho mucho por el mundo. Pero la industria de la música está en problemas, y tu estás asociado con un monopolio. ¿Por qué piensas que fue una buena idea para U2 unir fuerzas con una entidad como esa? Tienen la ventaja de imponer términos sobre cómo la industria debería cambiar. ¿Así que porqué aun juegan bajo las viejas reglas?
Entiendo la línea del cuestionamiento. Y es una interesante pregunta. No veo al hombre feo en grande o chico, banda grande, banda chica, corporación grande, corporación chica. Como tratas a tus empleados es importante. Lo mismo con una banda punk que trata a su equipo de asistentes como basura. Me gusta como ellos (los ejecutivos de Live Nation) tratan a sus empleados, como ellos nos tratan. Con respecto a la cuestión sobre los tickets: Los monopolios generalmente no son buenos, no son buenos para la innovación, para la competencia. Algunos años atrás buscamos volver a hacernos cargo de la venta de tickets. Pero esta quizá sea una respuesta débil para ti. He perdido el control sobre esa cuestión. No era consiente que era una cuestión acuciante. Esto es probablemente a causa del problema de desorden de multi-personalidad que tengo. Hago muchas cosas, trato de estar encima de las cosas, pero no soy consciente de esto siendo un problema. Debería pasar más tiempo viendo esto, porque esto nos afecta y afecta a nuestra audiencia. Estaría muy molesto si no estén siendo bien tratados. Tenemos una historia de tratar de mantener estas cosas bien. Pero estas cosas hay que defenderlas. La gente dice por qué no hacen campaña contra la música gratuita. ¿Quieres que haga eso? ¿En serio? ¿Realmente me quieres como tu poster de la infancia diciendo dame más dinero? No estoy seguro de que eso sería creíble. Le dejo algunas de estas cosas a personas que podrían ser mejor que yo. Yo trato de hacer cosas que tengo en mi plato. Sí, algunas personas dicen que eres un artista y entonces tu haces todas esas cosas. Pero yo veo todas esas otras cosas como parte de lo que es ser un artista. Eso es el zeitgeist, la elegante palabra alemana para eso, las fuerzas en el mundo, necesitas descubrir la teología, la tecnología, la cultura, la política. Todo eso está en la música también. No veo a mi vida en compartimentos. La veo como una sola cosa, con mi familia integral. ¿Así que dices que cuando escoges un problema para solucionar, no es la música la fuente de toda tu energía, no vale la pena pasar el tiempo resolviendo esos problemas? Me salí del negocio de la música en un sentido, y me metí en el lado artístico de eso. Deambulé para ver algunas otras áreas. Pero un área en la música en la que me estoy concentrando, estoy tratando de encontrar un nuevo formato, que si es el correcto, será una marea creciente que levante todos los barcos. La otra cosa, lo chequearé más. No está en la pantalla de mi radar.
Parece que había una oportunidad para lograr cambios positivos, porque internet abrió todas esas posibilidades para que bandas puedan relacionarse con sus fans sin corporaciones en el medio. No espero que los Rolling Stones lideren esta carga porque están muy al frente acerca de lo que ellos son y representan. ¿Quizá es injusto esperar que sepas más de esto y lideres el camino?
Con U2, nos mantienes a un nivel diferente, y estás diciendo de aplicar ese idealismo para resolver algunos problemas cercanos a casa. Eso es justo decirlo. Excepto cuando se decide qué sacar de mi escritorio, con el fin de poner algo más en el. Es cercana a casa y es una pregunta justa… Esto puede ser lo más humilde que conseguirás de mi, pero pensé que tal vez esta es una lucha que no puedo ganar sin darme por rendido en otras luchas, donde se cómo obtener la cuestión a través de la línea. Todo mi ser odia decir esto, porque siempre creo que puedo hacerlo… Eso es realmente un pregunta justa, y desearía haber tenido una respuesta mejor. Así que ahora lárgate (risas).
Fuente: ChicagoTribune.com
Bono y Adam Clayton están sentados en un sofá en un hotel del centro de Montreal después de un concierto de U2 de la semana pasada, hablando de remeras. De repente tienen 17 años nuevamente pasando el rato en clubes de punk en su ciudad natal de Dublín, alrededor del año 1977.
“Los Ramones, los Clash, los Buzzcocks,” dice Clayton, el bajista de la banda, recordando a las bandas que él, Bono y los otros miembros de U2, el guitarrista The Edge y el baterista Larry Mullen Jr., fueron testigos y de las cuales tomaron inspiración desde la adolescencia.
“The Buzzcocks, las melodías eran muy geniales,” dice Bono, imitando el furioso rasgueo de guitarra de Pete Shelley. “¿Cuál era el nombre del baterista (John Maher)? Larry usaba una de sus partes en una de nuestras canciones.”
“Yo tomé algunas cosas de JJ Burnel (de Stranglers), un gran bajista,” agrega Clayton.
“Sí, abrimos el show para los Stranglers una vez y le pregunté si podía usar uno de nuestros distintivos en el escenario, y él, con razón, me dijo que me largara (con improperios),” dice Bono con una sonrisa. “Así que le limpiamos todo el camarín, nos llevamos toda la cerveza.”
Tal vez, para igualar las cosas, Clayton llevaba su remera de los Stranglers en el escenario frente a más de 20 mil fans, la noche final de la banda en Montreal. Sirvió como un preludio para las cinco noches consecutivas en el United Center de Chicago, que comenzó este miercoles pasado.
El show encuentra a U2 sirviendo como guías turísticos a sus primeros días como una banda luchando en Dublín, e incluso más atrás, a las aventuras y tragedias que dieron forma a sus jóvenes vidas. El setlist se enfoca en un disco que tuvo un nacimiento dificultoso y que generó algo de las más divisivas críticas en la carrera de la banda, Songs Of Innocence.
El disco fue lanzado el pasado septiembre como una auto-descarga gratuita para cientos de millones de usuarios de iTunes. “U2 lo llamó un “regalo”, pero algunos de los destinatarios lo llamaron “spam”, y la reacción negativa probablemente tiñó al disco. La poca estimulante producción de la banda, sugirió que U2 imitaba a bandas menos ambiciosas pero comercialmente exitosas que imitan a U2, convirtió el lanzamiento en un poco entusiasta preludio para una gira mundial.
Pero la gira expande e ilumina las canciones de una manera que revela que hay mucho más de Songs Of Innocence que lo que la conservadora producción sugiere. El disco fue una respuesta directa al enfoque más experimental tomado en la previa realización en estudio de U2, No Line On The Horizon de 2009, con colaboradores de toda la vida como Brian Eno y Daniel Lanois. Ese disco no produjo el éxito radial que la banda codiciaba.
“Probablemente deberíamos haberle permitido (a No Line…) ser tan experimental como cuando comenzó, a Eno le hubiera encantado si lo hubiéramos dejado de esa manera,” dice The Edge en el backstage del Bell Centre que hospedó a la estadía en Montreal de U2. “Pero el peso de la expectativa de nuestro trabajo influenció nuestra decisión de tratar de escribir algunas canciones que empujaron cosas en una dirección más accesible, y mientras ‘Moment Of Surrender’ es una de nuestras mejores canciones, ninguna otra canción en el disco es tan buena como esa.”
Así que U2 decidió ahora cambiar las cosas de una gran manera y trabajar con los actuales productores creadores de éxitos tales como Brian “Danger Mouse” Burton (que ha trabajado con The Black Keys y Gnarls Barkley), Ryan Tedder (Beyonce, Madonna) y Paul Epworth (Adele). El cuarteto metió manos por años para obtener canciones en una forma coherente. Finalmente, sacaron de muchas ideas un disco único de 11 canciones, con un disco sucesor en estudio programado tentativamente para ser lanzado el próximo año.
“Esta vez sentimos como que quisimos aprovechar lo que estaba sucediendo ahí en términos de producción,” dice The Edge. “Quisimos estar al día con la cultura. Somos abiertos a nuevas cosas. Ryan Tedder tiene un gran talento para reconocer canciones, cuál es una gran melodía, cuál es un gran gancho. Como banda queríamos canciones que realmente le llegaran a la gente, porque no tienen tiempo para sentarse con un disco. Si un disco no conecta rápidamente, hay una gran posibilidad de que no se escuche para nada.”
Pero el disco aun no resonó en la manera en la que la banda hubiera esperado.
“Si soy honesto, hay algo acerca del sonido de la grabación que es algo demasiado organizado,” dice Bono en una entrevista aparte. “Eso es lo que sucede cuando pasas tanto tiempo en el estudio.”
Pero la banda está unificada en su creencia de que las canciones son más duraderas que el conjunto, y la gira es un esfuerzo concertado para defenderlo. “Con el último disco, tratamos la ingeniería inversa, volvimos piezas experimentales en canciones, y no funcionó,” dice The Edge. “En este disco, quisimos empezar con canciones en las que creemos y luego entrar en lo experimental cuando quisiéramos.”
Sin embargo, la noción de la retrospectiva para un material, inicialmente, hizo al guitarrista cauteloso. “Dublín es un lugar muy fértil para comenzar a componer, pero quisimos hacer algo hacia el futuro,” dice. “Le temo a la nostalgia. No quería que las canciones sean demasiado sentimentales. Bono siguió tratando de encontrar maneras de explorar el pasado con honestidad, para evitar esas trampas, y lo hizo enfocándose en las experiencias fundamentales que dieron forma a quienes somos por el resto de nuestras vidas.”
Si las versiones en estudio ocultan lo íntimo y emocional que las canciones son, las interpretaciones en vivo amplifican esas cualidades quitando algo de la superficialidad. Las letras autobiográficas informan la primera mitad del show, con Bono en un punto de meditación en la muerte de su madre, Iris, cuando él tenía 14 años, liderando a los fans en una caminata virtual a través de su viejo vecindario del norte de Dublín y dentro de su dormitorio en “Cedarwood Road” y “Song For Someone”, y a través de la carnicería inocente-estremecedora de “Raised By Wolves”.
Las canciones más personales que abren el show se funden en una de las más abiertas en la segunda mitad del concierto, el dolor y la rabia del paso de la mayoría de edad a la adultez del adolescente y el reconocimiento de que la esperanza existe solo como parte de una comunidad. Grandes visuales, el diseño escenográfico y un sonido excepcionalmente nítido ayudan a convertir un viaje de dos horas y media en algo parecido a un juego de dos partes. Pero en vez de la grandilocuencia de Broadway, la banda presenta algo de la música más cruda que ha llevado a los escenarios en décadas.
Un puente que atraviesa el centro de la arena une dos escenarios, que son ampliamente usados. Por momentos el puente se convierte en una reproducción virtual de la esquina de la banda en Dublín. El sonido no emana de una sola fuente en el escenario, sino que de docenas de racimos de altavoces colgados del techo por toda la arena, creando un efecto envolvente.
“Nos permite proyectar nuestra música sin estar enormemente fuerte,” dice el director de sonido Joe O’Herlihy, el gurú del sonido de barba gris que ha trabajado con la banda desde 1978. “Este es un show muy directo con canciones que cuando son tocadas en vivo te hacen sentir como si estuvieran alcanzando finalmente su máximo potencial, como si no estuvieran finalizadas en el estudio. Hay otra identidad que se formula cuando tocan esas canciones en vivo, y me moviliza.”
Esto viene de una banda que se ha convertido en una bestia mucho más complicada que la que recorrió Norteamérica por primera vez en 1980 y tocó en cientos de clubes y pequeños teatros antes de ascender a arenas. U2 ahora asociado con Live Nation Entertainment, una corporación a varios niveles que controla a la mayoría de los grandes recintos para conciertos y a las más grandes compañías de ventas de tickets en Norteamérica, y que recarga con 250 dólares sus shows. Al mismo tiempo, Bono continua trabajando de manera constante como un defensor-activista-lobista global para los países más pobres del mundo. Durante un día libre en Montreal, él viajó a Ottawa para encontrarse con el Primer Ministro Canadiense, Stephen Harper, y miembros de la Casa de los Comunes para presionar por ayuda contra el SIDA en África.
“El mundo necesita más Canadá,” fue su mantra en el Parlamento de Canadá en Ottawa y sobre el escenario en Montreal.
Abundan las aparentes contradicciones, y una de los más fascinantes aspectos del actual show es que Bono confronta con ellos directamente. En una conversación imaginaria entre el Bono joven y la estrella de rock multimillonaria que es ahora, el Bono joven se mofa, “Olvidaste quien eres… Tienes 300 veces más de lo que necesitas.”
Es un momento vigorizante que humaniza un show que está reducido para una arena, y que además lucha por intimidad.
“Nos encanta el punk, pero tomamos las ideas del punk y las expandimos,” dice Clayton, que sigue luciendo su remera de los Stranglers desde el concierto de aquella noche. “Las cosas de las que habla Bono y que abarcan estas canciones vienen de un lugar muy real para todos nosotros en Dublín.”
Fuente: ChicagoTribune.com
The Miracle (Of Joey Ramone) + Out Of Control + Vertigo + Iris (Hold Me Close) + Cedarwood Road + Sunday Bloody Sunday + Until The End Of The World + Invisible + Angel Of Harlem + Volcano + Bullet The Blue Sky + Pride (In The Name Of Love) + Beautiful Day + Bad + With Or Without You + City Of Blinding Lights + Where The Streets Have No Name + One
(Setlist completo del show)
Fecha: 25/06/2015
Recinto: United Center
Ciudad: Chicago
País: USA
Listado de temas:
The Miracle (Of Joey Ramone) + The Electric Co. + Vertigo + I Will Follow + Iris (Hold Me Close) + Cedarwood Road + Song For Someone + Sunday Bloody Sunday + Raised By Wolves + Until The End Of The World + Invisible + Even Better Than The Real Thing + Mysterious Ways + Elevation + Ordinary Love + Every Breaking Wave + Bullet The Blue Sky + The Hands That Built America (fragmento) + Pride (In The Name Of Love) + Beautiful Day + With Or Without You + City Of Blinding Lights + Where The Streets Have No Name + I Still Haven’t Found What I’m Looking For
(Setlist completo del show)
Fecha: 24/06/2015
Recinto: United Center
Ciudad: Chicago
País: USA
Listado de temas:
