El guitarrista explica cómo el clima político y un gran susto en la vida del cantante provocó que la banda repensara su próximo disco
El guitarrista explica cómo un gran susto en la vida del cantante provocó grandes cambios en el nuevo LP de la banda “Songs Of Experience” [Foto Taylor Hill/FilmMagic]
Los últimos tres años han probado a U2 en diferentes formas, desde la dura reacción que recibieron por regalar Songs Of Innocence de 2014 en cada usuario de iTunes al devastador accidente de bicicleta de Bono, que lo dejó con varios huesos fracturados y un brazo izquierdo fracturado. Pero esos contratiempos no se comparan con otra crisis que Bono enfrentó el año pasado. “Tuvo un roce con la mortalidad,” dice Edge, eligiendo cuidadosamente sus palabras (la banda no entrará en detalle al respecto). “Definitivamente, tuvo un momento serio, que lo hizo reflexionar sobre muchas cosas.”
El episodio provocó que la banda repensara Songs Of Experience, un compañero de Songs Of Innocence en el que han estado trabajando por más de dos años. El LP resultante presenta menos de la producción profesional que tuvo Innocence, a favor de una fórmula más clásica: guitarras rockeras propulsivas y baladas que miran hacia adentro. “Quería que mi gente a la que quiero supiera como me sentía,” dice Bono. “Así que muchas canciones son como cartas – cartas a mi esposa Ali, cartas a mis hijos e hijas.”
El día siguiente a que U2 tocara en el Lucas Oil Stadium de Indianápolis, Indiana, The Edge conversó con Rolling Stone acerca del largo camino a Songs Of Experience y para dar una mirada hacia delante, a la próxima gira en arenas para presentar el disco.
Los vi anoche tocando por primera vez “You’re The Best Thing About Me”. ¿Cómo fue eso?
No diría que fue lo mejor que hemos tocado, pero estuvo bueno. No habíamos tocado ahí recientemente y el público estaba metido. Creo que fue uno de los mejores shows.
Comenzaron Songs Of Experience en 2014, y algunos de los shows se remontan incluso antes de eso. El mundo ha cambiado mucho desde entonces. ¿Esos factores externos cómo cambiaron el enfoque y el alcance del disco?
Lo que queríamos hacer sobre todo era volver a sentarnos y ver cómo nos sentíamos acerca de salir a un mundo que había dado una gran sacudida en diferentes direcciones. No estábamos suponiendo que tuviéramos que empezar de nuevo, de hecho, no lo necesitamos. Los cambios que ocurrieron fueron predominantemente en las letras, y en algunos casos fueron bastante sutiles. Un par de canciones cambiaron sutilmente solo para enfatizar un aspecto o expresar mejor lo que estábamos sintiendo y las ideas que queríamos poner. Pero desde un punto de vista musical, lo que sucedió con este retraso, algo que fue increíble y genial, es que tuvimos todas las canciones resueltas y la mayoría de ellas grabadas en la medida que podían ser lanzadas por septiembre del año pasado. Pero un año atras tuvimos una especie de sentimiento que queríamos explorar otros enfoques de producción y otras maneras en que las canciones pudieran ser arregladas e interpretadas. Sentimos que la química de la banda no estaba tan representada como tal vez pensábamos que debería estar.
Así que en el otoño [europeo] del año pasado regresamos a una sala como una banda, inicialmente sin Bono y luego se nos unió por un par de días al final de ese período, y solo tocamos las canciones. Las tocamos con un ojo y un oído sobre cómo podrían ser tocadas en un formato de concierto en vivo. Parte de la razón de hacer eso que es siempre fuimos por esa especie de rutina, donde grabábamos nuestro disco, lo sacábamos y luego nos poníamos a arreglar las canciones en vivo. Entonces nuestros productores aparecían a mitad de gira y nos dirían, “Oh, mierda, ese tema está sonando genial ahora. Realmente me encantaría que tuviéramos ese arreglo en el disco.” Steve Lillywhite solía decir, “Ustedes, deberían finalizar el disco, salir de gira con él, aprenderlo, entender las canciones completamente, y luego regresar al estudio y regrabarlo en una semana.”
No hicimos exactamente eso. No salimos a tocarlas frente a un público, pero regresamos a un espacio de ensayo y luego regresamos al estudio a regrabar algunas de las canciones en las que pudimos encontrar una síntesis de las actuaciones crudas de la banda y algo del material que hemos creado anteriormente. Queríamos importar las interpretaciones de teclados y las pequeñas ideas que nos gustaron de versiones anteriores, y encontrar una manera de ponerlo ahí. Se volvió una especie de química de la banda mezclada con lo mejor de la tecnología de producción del siglo 21. Le ha dado una estética más interesante.
Hablé con Bono un par de meses atrás y me dijo que sentía que Songs Of Innocence carecía de coherencia en la producción y que debía haber sido más crudo.
Existe esta dicotomía en los estándares de producción estos días donde el oyente de música está acostumbrado a arreglos precisos y simples, totalmente despojados, así las inexactitudes de una banda tocando en una sala donde todo se interfiere con todo no es lo que está sucediendo. Suena, me atrevo a decirlo, pasado de moda. Nos encanta cuando eso funciona para nosotros y nos encanta esa sensación de gente tocando en una sala, cuando suena fresco. Pero creo que también estamos preocupados por el hecho que ese sonido esté asociado con lo de 20 o 30 años atrás. Necesitamos asegurarnos, como siempre lo hemos hecho, de que formamos parte de una conversación actual que va en la cultura musical en términos de producción, composición, estructura melódica, todas las cosas que mantienen la cultura en avance.
Lo que no queremos es estar atrapados en lo que describo como un meandro musical donde otros están avanzando y vos seguís haciendo lo que has estado haciendo siempre, pero ahora eres anacrónico y parte de una forma histórica en vez de lo que actualmente está empujando los límites hacia delante, el flujo del avance. Trataremos tener nuestro pastel y comerlo. Queremos ambos: la marca distintiva de una banda clásica, y no queremos ser, artistas veteranos sin contacto con la cultura. Es un baile. Es un balance. Si permitimos que el disco esté en uno u otro extremo sería un error. Es encontrar el balance entre lo que hacemos como una banda, naturalmente, y luego lo que aun podemos hacer en un estudio. Y el estudio aun es una herramienta de composición para nosotros y el proceso de producción es un proceso de composición tanto como un proceso de producción.
Supongo que ese balance es el motivo por el cual convocaron a tantos productores para este disco.
Sí. Quiero decir, no todos trabajan necesariamente en cada canción. Terminamos convocando a Steve Lillywhite, con quien tenemos esta maravillosa relación en términos de meternos en una sala y trabajar los arreglos y minucias de las partes de baterías y guitarras. Steve es un facilitador maravilloso para que todos nosotros obtengamos ideas y refinemos lo nuestro. También hemos convocado a Jacknife Lee, con el que hemos trabajado por muchos años. Él tiene esta fascinación por la producción de hip-hop y también trabaja con bandas con guitarras, así que tiene un pie en un par de terrenos diferentes.
Luego tienes a Andy Barlow. Es un productor pleno de electrónica y sintetizadores que no está acostumbrado a bandas o guitarras, pero es increíble de otras maneras. Ryan Tedder es un colaborador maravilloso y su sentido melódico es simplemente muy fuerte. Cuando estamos cerca de Ryan, estas canciones son cada vez mejores. Los coros mejoran. Los ganchos mejoran. Los arreglos se vuelven más austeros y más enfocados. Y luego Jolyon Thomas que es un gran productor de rock and roll de vanguardia al que le encantan las bandas. Le encanta las guitarras, pero al mismo tiempo cuál es el adecuado sonido de guitarra para que no te encuentres como si no estuvieras a un alto nivel al minuto. Hay cosas sutiles a veces, solo la diferencia entre el sonido de guitarra de White Stripes y el de Led Zeppelin. De alguna manera es algo sutil, pero en otros aspectos son mundos apartes.
¿Steve es el más cercano? ¿Lo convocaron al final para que lo vea todo?
Hmmm… Sí y no. Creo que, en esta instancia, fue más por el lado orgánico de la grabación. Vino a trabajar en eso. A veces, teníamos versiones casi rivales. Teníamos una canción como “The Blackout” donde teníamos casi dos versiones de ella. Había una versión más orgánica y luego en un estudio de arriba tuvimos otra versión, que era un poco más del siglo 21, un poco más despojada. Pusimos el disco junto en una base caso por caso. “Bueno, esta puede ser un poco más orgánica porque aquella es un poco más procesada y disciplinada sónicamente.” Probablemente, notaste que la versión de “You’re The Best Thing About Me” que lanzamos es algo diferente a la que tocamos en vivo, y la mezcla final es de hace como seis semanas.
¿Cómo es que eligen entre canciones? ¿Cuál es el proceso?
El proceso es que poco a poco empezamos a poner las canciones pilares en su lugar y luego llenamos a su alrededor y obtenemos pistas sobre la identidad en general de la grabación. Para mí, uno de los temas que abrió el camino fue “The Lights In Front Of Me”, que ahora se llama “The Lights Of Home”. Teníamos versos muy rock and roll en ella que sonaban realmente geniales, pero era un poco retro. Sabíamos que estaba en carrera porque nos gustó mucho, y entonces Jacknife Lee le hizo un arreglo más elemental. La batería era una especie de pregunta abierta, entonces Larry fue y tocó la batería, así que tuvo la disciplina de una producción muy contemporánea, pero con esta batería humana increíble y muy hermosamente tocada por encima. Creo que porque fue grabada por sí misma es que puede ocupar este tipo de espectro sonoro que tiene. Todavía suena muy moderno, pero suena casi como si tuviera una influencia de hip-hop o más bien una influencia del R&B que una del rock. De todos modos, esas pequeñas pistas a veces te llevan a decir, “OK, guau, esa es la síntesis que estamos tratando de lograr aquí.”
En el caso de “You’re The Best Thing About Me”, estábamos muy entusiasmados acerca de la mezcla que teníamos seis semanas atrás. Entonces empezamos a hablar acerca de cómo la íbamos a tocar en vivo y regresé a los primeros demos y encontré esta que había hecho en el punto en el que estábamos experimentando con diferentes ideas de arreglos. Fue un experimento que no habíamos perseguido y pensé, “Este sería un buen enfoque si la tocáramos en vivo,” y lo hicimos en el show de Jimmy Fallon. Es un enfoque más sustancioso con algunas guitarras nuevas.
Entonces, Bono vino al estudio para escucharlo y dijo, “OK, algo está pasando aquí. Es una mejor canción ahora. No puedo explicar por qué, pero estoy sintiendo algo de esto.” Así que entramos en pánico con nosotros trabajando furiosamente con dos días antes que tuviéramos que convertirla en single y presentarla para la consideración de todos. Acabamos aceptando que la simplicidad, la crudeza de la misma ofrece un contrapeso a la lírica y a la melodía, que es muy clásico. Es una canción de amor y lo lleva de una manera más convincente. De alguna manera la canción parece mejor – y fue totalmente en el último minuto.
¿Han terminado el disco?
Tenemos un orden de canciones, título, mezclas acordadas con pequeños matices donde queremos hacer pequeños cambios. Así que sí, está absolutamente listo para salir con la última pulida. Estamos muy contentos con él.
¿Cuáles son las últimas pulidas?
Solo una pulida, no sustancial. Nada que nadie más que la banda pudiera contar porque tenemos las mezclas hechas y estamos tratando de encontrar nuestras favoritas. Tal vez nos guste la mezcla, pero quizá haya un cambio de letra que no ha sido puesta en la mezcla… Realmente son solo pequeños ajustes.
Me contaste acerca del “roce con la mortalidad” de Bono. ¿Puedes explayarte un poco?
Estábamos muy metidos en el proceso de realizar el disco y en el tipo de influencia de la dirección lírica y donde terminaría. En cierto punto fue tomado de una cita de Brendan Kennelly. Es un poeta irlandés y una vez nos dijo como un consejo que él siempre encontraba útil escribir como si él estuviera muerto. La inferencia es que te libera de tener que justificar después o ser delicado o ser cualquier cosa que no sea una expresión pura de tu esencia y lo que es crucial para ti.
Bono se aferró a esa cita, esa idea, y escribió muchas de esas letras como cartas a ciertas personas que son muy importantes en su vida, los fans de U2 son algunos de ellos, y su familia son otros, amigos, sean quienes sean. Se convirtieron en una serie de cartas en el fondo de su mente. Él estaba pensando, “Si no estoy cerca, ¿qué me gustaría dejar?” Y esas letras tienen un cierto poder para ellos. Creo que, claramente, lo llevó a un lugar donde quería escribir acerca de cosas esenciales. Por supuesto, para el momento en el que terminamos el disco el aspecto político empezó a ser traído de nuevo, así que se convirtió en una síntesis de letras muy personales con referencias políticas acerca de lo que está sucediendo.
Escuché “Summer Of Love”, que claramente trata acerca de refugiados.
Hubo mucho que entró en eso, pero uno de los puntos de partida fue una historia de la CNN acerca de un jardinero de Aleppo. Trata de este tipo que tenía un jardín en Aleppo que mantuvo abierto durante toda la guerra. Fue una declaración política a todo el mundo mantener ese jardín abierto. Era un personaje profundamente filosófico y para él fue un acto de resistencia el cultivar flores en Aleppo. Finalmente, terminó siendo asesinado en una incursión aérea, así que fue un final muy triste, pero Bono estuvo realmente inspirado por su resistencia. Cuando estuvimos viendo esa canción, decidimos que debería enfocarse geográficamente.
Las primeras líneas de “The Blackout” son “Un dinosaurio se pregunta por qué aun sigue caminando por la tierra.” ¿Están cantando acerca de ser una banda de rock en 2017?
Creo que es eso, pero también habla acerca de adónde vamos desde aquí, y creo que hay más de un aspecto político y también hay una referencia a Donald Trump. Lo que es divertido sobre algunas de estas canciones es que hay dos canciones sucediendo casi en paralelo.
¿Van a lanzar este disco de una manera normal?
Creo que en este punto estoy bastante comprometido en lanzarlo en cooperación con todos los interesados en el negocio del lanzamiento de música en vez de tratar, como lo hicimos en el último disco, de encontrar una única salida y estar detrás de eso. Parte de por qué creo que parece apropiado para este momento es que, aunque la industrial de la música está tan fragmentada y cada vez es más difícil anoticiarse de todo, hay muchas salidas diferentes y tanto ruido y actividad y tantos discos saliendo, por lo que es un momento para nosotros de encontrar una coalición de socios que estén entusiasmados por este trabajo.
Hemos hecho muchas conexiones con la radio porque la radio, a pesar que puedes argumentar que ha sido sustituida por los puntos de venta por internet, servicios digitales y de streaming, redes sociales y todo eso, la verdad es que la radio sigue siendo dedicada al formato de música. Estamos realmente inspirados por el potencial de llegar en un nivel humano a una comunidad de personas que administran y trabajan en estaciones radiales. Todos ellos son personas como nosotros que estamos enamorados de la música y terminamos encontrando una manera de trabajar en un mundo que está dedicado a la música, así que nos hemos estados reuniendo con mucha gente. Ha sido muy divertido. Creo que será interesante ver cómo va el lanzamiento del disco. Creo que es el desarrollo del boca en boca de personas que realmente se preocupan por la música.
Entonces en el Día Uno estará disponible en Spotify, Apple, Tidal…
Sí, estamos trabajando con todos. Ese es nuestro mantra ahora mismo. Estamos preparados para trabajar con todos.
Se que estarán volviendo a las arenas en la próxima gira. ¿Ya están pensando en el setlist? Además de las canciones nuevas, ¿van a tocar canciones viejas diferentes a las que están haciendo en el The Joshua Tree Tour?
Lo que tenemos ahora son suposiciones de trabajo fuertes en vez de un plan al cual ajustarnos. Así que sí, las suposiciones son que vamos a hacer arenas en el próximo año promoviendo el disco. Vamos a tocar en Norteamérica y Europa, y probablemente más lejos. Estamos planificando escenarios ahora y hablando acerca de la producción y todo eso, así que esperaría que eso es lo que haremos. Pero por supuesto, hasta que no tengamos el plan totalmente diseñado, no lo se.
¿Has pensado mucho sobre el setlist o eso está muy lejos?
No estamos en esa etapa, pero empezaremos con eso muy pronto. Lo que es interesante es que tenemos estos dos discos que son lanzamientos complementarios: Songs Of Innocence y Songs Of Experience. Quiero decir, podríamos hacer una gira de solo estos dos discos. Eso sería una propuesta interesante. Probablemente no sea lo que vayamos a hacer, pero hay muchas opciones interesantes para explorar. ¿Vamos a tocar solo este disco nuevo y algunas canciones clásicas o vamos a hacer canciones de Songs Of Innocence también? De alguna manera, me gustaría tocar Songs Of Innocence nuevamente, porque no hicimos tanto shows como hubiéramos podido y creo que como show realmente funcionó. Me encantaría hacer algo más. En este momento, tenemos la libertad de hacer lo que queremos.
¿Podrían no hacer canciones de The Joshua Tree solo para contrarrestar la gira de este año?
Creo que está bastante claro que habiendo tocado esas canciones para el verano y, en realidad, en casi todo el año, si realmente lo piensas, sería una idea buena el tomar un descanso.
Sería inaudito hacer un show sin al menos “Where The Streets Have No Name”.
Sí. Creo que tal vez hemos hecho alguna gira sin “Where The Streets Have No Name” en el set. No diría que sería inaudito, pero sí inusual. Pero no lo descartaría. Tenemos muchas canciones y nos gustaría darles descanso a ellas de vez en cuando porque a veces llegan a un lugar donde empiezan a perder su resonancia más profunda. El aspecto emocional de cualquier canción de U2 es el punto de partida. Nunca quieres estar en una situación donde estás tocando una canción que sientes que lo estás haciendo de memoria.
Este año es el 20º aniversario de Pop. ¿Son conscientes del culto que ha crecido alrededor del disco en la comunidad de fans de U2?
Bueno, es algo que solo recientemente me he dado cuenta. Me encanta el disco y pienso que hay grandes canciones en él. Pero para el momento en el que lo lanzamos fue como que se nos escapó un poco porque fue todo apresurado. Nos habíamos comprometido con la gira y si teníamos más tiempo creo que todos sentimos que habría sido más plenamente realizado. Empezamos tratando de hacer un disco de la cultura dance y luego nos dimos cuenta que hay cosas que podemos hacer que ningún productor o artista EDM puede hacer, así que intentamos hacerlo de las dos maneras. En ese caso, probablemente fuimos demasiado lejos en la otra dirección. Probablemente, necesitamos permitirnos un poco más de la electrónica para sobrevivir.
Creo que canciones como “Please” y “Gone” han envejecido muy bien.
Me encantan ambas canciones. Incluso me gusta “Wake Up Dead Man”. Me encanta ese tema. Uno de los temas que estuve tratando de persuadir a todos de tocar en la última gira fue “Playboy Mansion”. Pero creo que Pop es un gran disco. Estuve muy orgulloso al final de esa gira. Finalmente, nos dimos cuenta para el momento en el que hicimos el DVD. Fue un show increíble del que estoy muy orgulloso.
Una pregunta totalmente al azar, pero ¿hay alguna chance de que alguna vez toquen “Lady With Spinning Head” en vivo? Me encanta esa canción y los fans se volvería locos.
[Risas] Podría, sí [sonando muy poco entusiasmado]… Quiero decir, es divertida. Ese tema fue el primero en el que trabajamos cuando estábamos haciendo los muy, pero muy primeros demos para Achtung Baby. Estaba muy inspirado por lo que estaba saliendo de Manchester entonces. Había esta nueva sensibilidad rítmica que era absolutamente una síntesis del rock & roll y la cultura club desde Hacienda con bandas como Happy Mondays, Charlatans y New Order. Fue una época musical increíble, así que cuando nos metimos al estudio estuve usando máquinas de batería y tratando de encontrar un enfoque más rítmico. “Lady With Spinning Head” fue un prototipo de canción y al pasar por el proceso al que llamamos división celular, se convirtió en “The Fly”, “Zoo Station” y “Light My Way”. Terminó estando en tres canciones de Achtung Baby.
Aun estamos tocando “Light My Way” en esta gira. Pero sí, me gusta ese tema. Es una versión cruda con todas las texturas que terminamos poniendo en otras canciones que se volvieron monstruos, pero es el ADN para mucho de ese disco.
Finalmente, veo que están haciendo fragmentos de “Drowning Man” durante “One” en algunos shows. Eso se está acercando a mi sueño de tener toda la canción en vivo.
Hicimos un intento con “Drowning Man” [para el 360º Tour]. Creo que se trata de encontrar el ajuste correcto para algunas canciones. Aunque nos acercamos a hacerla en vivo, fue algo que no encajaba en el momento y en la producción. Creo que, definitivamente, llegaremos a esa canción en vivo algún día. Es una de mis favoritas. Recuerdo incluso pensar alguna vez, “Oh, tal vez eso es un single.” Simplemente me encanta y tengo debilidad por ese tipo de cosas.
Para entonces, la otrora magnífica ciudad, sede de los Juegos Olímpicos de Invierno de 1984, que se había convertido en un campo de la muerte había comenzado a reconstruirse. El zoológico de Sarajevo estaba siendo restaurado, y los artistas amueblaron la ciudad con instrumentos musicales y bibliotecas de libros. Los artistas guerrilleros habían empezado a embellecer las calles con "Rosas de Sarajevo", una resina roja colocada en las cicatrices y huecos hechos por las mortales explosiones. Así que ante la insistencia de los organizadores de Sarajevo, este no sería un pequeño concierto de caridad, sino más bien que el de Sarajevo debería ser uno a escala completa, una parada más del global PopMart Tour de U2.
