LiveDesign.com publica la continuación de la chara con Willie Williams, el director creativo del iNNOCENCE + eXPERIENCE Tour de U2. La parte 1 y 2 la puedes leer desde acá.
Live Design: ¿Cuáles fueron tus desafíos en el proceso de diseño?
Willie Williams: Supongo que el mayor desafío es no repetirnos mientras trabajamos dentro de “normas de combate” sorpresivamente estrictas. Los requerimientos del grupo de asistentes y de equipos detrás de la banda, conocido como backline, el monitoreo y todo lo demás, está lejos de lo insignificante. Por mucho tiempo, nos propusimos hacer del backline un “bunker” que ocultan a los asistentes y al equipo, pero en última instancia, solo hace las cosas feas. Los requerimientos técnicos para una actuación de U2 son muy concretos, y la presencia del escenario se ha mantenido bastante igual en los últimos 25 años. Hemos ajustado un poco las formas de gira a gira, pero el diseño básico del escenario y del bunker siempre está ahí. Eventualmente, comprendí que no tiene sentido luchar contra eso, así que opté por un enfoque temático, con un escenario que recuerda a su período de “Inocencia”. El escenario cuadrado es, de hecho el escenario de The Joshua Tree. Es exactamente el mismo, una trivialidad que ha sido notada y disfrutada por varios de la comunidad de U2.
Live Design: ¿Qué pasa con los desafíos o cambios en el ensayo? ¿La mayoría de las ideas en el papel se terminaron realizando?
Willie Williams: Una de las cosas más remarcables acerca del show es que casi todas las ideas de las cuales hablamos desde el principio fueron realizadas. Algunas de ellas han terminado siendo expresadas en diferentes maneras que el pensamiento original, pero el espíritu de ellas ha sido respetado, algo que encuentro extremadamente satisfactorio. La narrativa de la bombilla de luz, el dormitorio de adolescente, la calle donde creciste, la violencia dentro y afuera, y el escape del “el mundo” de afuera ha visto muchas iteraciones diferentes a lo largo del camino, pero aun están todas ahí.
Live Design: Cuéntame acerca del equipamiento de iluminación y los accesorios que elegiste.
Willie Williams: La iluminación es realmente muy simple, y, no te rías, en realidad muy minimalista, de forma extendida por toda la arena. A primera vista, la puesta en escena se parece bastante a una configuración de escenarios “A” y “B” con una pasarela entre ellos. Sin embargo, las diferentes partes de la escenografía son usadas en diferentes momentos y cada área, incluyendo la pasarela y la “pantalla de video”, son áreas de actuación propiamente dichas. La gran superficie de la escenografía significa que necesito un buen número de accesorios, pero se utilizan con mucha moderación.
Consecuentemente, me encontré trabajando de una manera minimalista en una escala muy grande. Como a menudo parezco hacer, me las arreglé nuevamente para diseñar un ambiente con posibilidades de ubicación extremadamente limitadas para los instrumentos de iluminación. Cuando el “escenario-pantalla” es desplegado, corta el espacio a la mitad, haciendo realmente muy difícil iluminar las áreas escenográficas. La configuración también demanda grandes alturas para las líneas de visión así que, cuando se trataba de eso, el equipamiento se diseñó más o menos en torno a los parámetros dados.
El diseño del equipamiento es muy simple; hay tres armaduras por encima del escenario cuadrado y armaduras más alejadas que siguen la línea del borde de la pista de la arena. El estado de ánimo del escenario cuadrado es de rock and roll directo, recordando fines de los 70 y principios de los 80, que es temáticamente donde esa parte del show se establece. Esencialmente, hemos construido un club de punk, y queríamos sumar esa clase de sensación en el equipamiento.
A nivel piso, hay unas luces estroboscópicas vintage que dan una fantástica sensación color amarronado de baja temperatura. La confiabilidad de estos equipos es lo que más disfruto.
El accesorio destacado es un tubo fluorescente enjaulad, inspirado de lo que puedes encontrar en un paso subterráneo o baños públicos pocos fiables. Al principio, fui insistente en usar tubos fluorescentes reales pero me contaron acerca de algunas pesadillas que estos tienen, al final, estuve de acuerdo en ir con equivalentes LED blancos pero solo bajo la condición de que cada unidad fueran de un solo circuito y que no fueran capaces de cambiar de color.
Mis operadores/programadores, Alex Murphy y Sparky Risk, han pasado muchísimo tiempo buscando simular el parpadeo aleatorio del tubo fluorescente y los efectos estroboscópicos no lineales. Sparky ha hecho que me sienta muy orgulloso por su aprovechamiento de accesorios estroboscópicos manuales que se siente como un viaje lumínico en el tiempo. Todo se siente mucho más orgánico y humano que cualquier cosa que se obtendría con una máquina de efectos.
Los PRG Bad Boys y Best Boys son las unidades más confiables. Las elegí principalmente por su salida, dada las distancias de proyección involucradas y mi deseo de minimizar el número de accesorios. Las tres vigas por encima del escenario cuadrado suman un total de 16 accesorios, ¡que es menos de lo que teníamos en el War Tour de 1983!
Los cañones de seguimiento siempre fueron un problema para este diseño, ya que “frente de escenario” es un término sin sentido aquí. Chris Conti de PRG me mostró las luces Bad Boys hace un tiempo atrás, que acapararon mi interés. La idea de ser capaz de anillar la arena con vigas de cañones haría que el trabajo de los seguidores del frente de escenario pareciera una buena solución y la continuidad de color, luces decorativas, los oscuros, los acercamientos, y todo lo demás que habíamos tenido usando Bad Boys fuera muy atractivo. Estaba nervioso acerca de poner todos mis huevos en esa canasta en particular, porque si la salida no alcanzaba las expectativas, hubiera estado realmente jodido.
Live Design: ¿Dentro de los detalles de tu equipo de iluminación, hay algo nuevo que hayas probado y gustado?
Willie Williams: He disfrutado de los equipos Bad Boys de PRG, particularmente con los que consigues un acercamiento adecuado, en vez de los que solo manejan el cambio de tamaño. Es difícil de comprender que tanta luz puede salir de tal objeto pequeño.
Me encantan los tubos fluorescentes enjaulados. Tienen su propio arco narrativo durante el show, que es posiblemente, el primero para un instrumento de iluminación. Para empezar, ellos definen el club de punk, simplemente los dejamos encendidos continuamente por alrededor de la primera media hora del show. Después, cuando la pantalla/puente desciende bien abajo, los tubos enjaulados superiores e inferiores se convierten en un intimidante “paso subterráneo” antes de las bombas. Finalmente, en el final del show reaparecen, algunos horizontales, algunos verticales, extendiéndose desde el escenario y formando una hermosa “ciudad de luz” como si todos estuviéramos redimidos yendo al cielo (o algún otro lado).
Es bastante agradable el hecho de que son manualmente operados. La gente de Tait querían que se levantaron mediante brazos hidráulicos, o algo como eso, pero tengo a Nick Barton y los asistentes dando vueltas por el borde del escenario y lo paran cuando lo necesitamos.
Live Design: ¿Cómo es creado el contenido de video?
Willie Williams: El contenido de video para este show está lejos del azar y es extremadamente importante para la narrativa. Bono tenía muchas ganas de que no tuviéramos “demasiado sabores,” sin la diversa selección habitual de ideas de contenido desconectadas de canción a canción.
Siempre supimos que el show iba a ser de dos partes, Inocencia y Experiencia, así que Bono preguntó si podíamos tener un artista que supervisara cada parte. Muy tristemente, desde el 360º Tour, hemos perdimos a Run Wrake, el pilar de nuestro contenido de video, por el cáncer, así que nos encontramos empezando de cero.
Sam Pattinson, mi productor de video desde hace mucho tiempo, miró muchos trabajos y encontró algunos grandes talentos, así que empezamos a poner una lista con los mejores. Es algo difícil traer a un nuevo artista a un entorno de show de rock porque se requiere de un poco de cambio de mentalidad para estar cómodos con nosotros, esencialmente con su trabajo. También, dada la fuerza de la narrativa, realmente no estábamos buscando tanto ideas de contenido sino que ejecución, que también había sido un poco difícil. No estábamos buscando toda una nueva interpretación de las canciones.
Finalmente, la manera en la que funcionó fue que, con el equipo de The Third Company, comenzamos a hacer las primeras versiones del contenido. Estas sirvieron como demos para mostrarle a la banda y también como plantillas para la posterior reelaboración cuando diéramos en el clavo con el estilo requerido. La primera parte tenía que ser de muy artesanales y recortados gráficos con sentimiento punk, reflejando la influencia de Linder Sterling y otros del período punk. La parte dos tenía que ser una visión de alta resolución del resplandor del futuro, representando el extremo opuesto. Trabajamos con algunas personas geniales a lo largo del camino. Xaver Xylophon de Berlín hizo algunas de los primeros renderizados, con contribuciones de grandes del video como Kevin Godley e incluso Damien Hirst.
Al final, los dos artistas que representaron las dos mitades son Oliver Jeffers, un artista e ilustrador infantil del Norte de Irlanda, y Jeff Frost, un joven cineasta residente de Los Angeles. Los dibujos naif de Oliver se han convertido en el estilo de la casa para el primer acto mientras que las extraordinarias stop-motion, time-lapse y paisajes naturales en alta resolución de Jeff se volvieron nuestro destino en el acto dos.
Live Design: ¿Hay efectos especiales?
Willie Williams: No, excepto por la neblina, por supuesto. Ah, y ocho máquinas de papel picado que bañan a la audiencia con páginas de Ulises, El Señor de las Moscas, Los Salmos, y Alicia en el País de la Maravilla. Bono me dijo un día, “Cuando explotaron la biblioteca de Sarajevo, las páginas de los libros cayeron como lluvia en la ciudad por días. Palabras, poemas, frases, todo mezclado, cayeron en las mandos de las personas. ¿Crees que podremos recrear eso?”
Live Design: ¿Hubo problemas técnicos que cambiaron el diseño al final?
Willie Williams: El peso fue un problema enorme. La pantalla/escenario era inicialmente de 24 metros de longitud y llenaba toda la pasarela pero, combinado con el enorme peso del sonido principal y las estructuras, hacía imposible para la gira.
Live Design: ¿Algún otro desafío?
Willie Williams: El elefante en la sala, por supuesto, es que Mark Fisher no esta aquí. Felizmente, él estuvo lo suficientemente bien como para asistir a las primeras reuniones que tuvimos acerca de este show en marzo de 2013. Fue la primera vez que el equipo creativo se reunió con la banda, así que muchos de nosotros no nos habíamos visto por un par de años. También fue la primera que Ric Lipson y Es Devlin se vieron con la banda, pasando a convertirse en mis principales colaboradores en el diseño.
Tristemente, Mark fue capaz de asistir a no más reuniones en persona, pero aparecía vía Skype una o dos veces. En su reunión final, no se sentía bien como para salir vía Skype así que pasó la reunión como una voz incorpórea saliendo de la laptop de Ric. Mark no había hablado por un rato, y la conversación giró en torno de cómo nos gustaba que los escenarios “fueran” algo, un objeto real o una abstracción de eso. Bono nos pidió a todos que pensáramos en un objeto que resumiera a U2, ya que podría ser una pista para el diseño del escenario. Todos comentamos nuestros pensamientos, y entonces Bono se inclinó sobre la laptop y preguntó, “¿Y tu Mark? ¿Qué piensas?” Hubo una pausa larga, y entonces escuchamos, “¡Una maldita cruz! ¡¿Por qué no solo lo hacen, y ponen una maldita cruz en el medio del estadio?!”
Todos nos reímos pero tomamos sus palabras en serio. Cuando los tubos fluorescentes enjaulados adoptan la configuración final como la ciudad de luz, algunos están horizontales y algunos verticales así que, aquí y allí, desde ciertos ángulos, puedes ver las malditas cruces de Mark. Pensamos en él cada vez que aparecen.
Fuente: LiveDesignOnline.com - Parte 3 y Parte 4