La Torre de Control de U2
Después de dos tramos completos de gira en el mundo, el grupo a recientemente vuelto a traer su gira Vértigo una vez más sobre tierra norteamericana para nuevas fechas. Cada noche, Adam, Edge, Bono y Larry demuestran de la alquimia que existe entre los miembros del grupo es todavía orgánica, aun después de tantos años tocando juntos. Adam ha aprovechado uno de sus días de reposos para hablar de su nuevo instrumento secuencial, el sonido de U2, y de su opinión sobre lo que representa tocar el bajo en el grupo más dinámico de este planeta.
En este punto de su carrera, U2 posee horas de grabaciones para extraer de sus conciertos. ¿Cuál es la clave para hacer un súper concierto?
Generalmente, buscamos canciones rápidas. El mid-tempo es el infierno, no podemos encadenar en esas canciones. Arrancamos con ritmos más rápidos para después orientarnos hacia los lentos, más bien que los mid-tempo. Es difícil porque las canciones rápidas son las más duras de componer. Intentamos trazar los contornos, construimos el ritmo, entonces lo bajamos al público con el fin de añadir potencia en las bises. Ahí es donde tenemos un poco de terreno para las canciones en acústico.
¿Va en algún lugar en particular antes de tomar en asalto el escenario?
Si estoy preocupado por alguna otra cosa antes de empezar, no es una buena cosa. El estado emocional antes de subir a escena puede determinar el ambiente del concierto y es crucial conseguir un buen estado anímico para proyectar seguridad. Me gustaría ser más preciso pero yo simplemente hago un vacío en mi cabeza y me concentro.
¿Cuándo toca, piensa usted en las notas que utiliza, o se basa simplemente en su memoria muscular?
Pienso que es una mezcla de los dos. Puedo basarme en mi memoria muscular pero si no me obligo a pensar, en las notas, yo mismo, mi espíritu vagabundea y eso no es lo que quiero en medio de un concierto.
¿Intenta usted darle emoción a cada canción?
Absolutamente. Existe un elemento teatral en lo que hacemos; obtener la personalidad de cada canción. Llame a esto el método de la escuela Lee Strasberg del saber tocar la música. Es el saber cómo tenerse y cómo tener la base o colocarse en el escenario. Si no estoy en ese papel, entonces estoy desconectado. Puede que esa sea la gran diferencia cuando los grupos tocan sus propios títulos por encima de las versiones. Cuando se trata de sus propios textos, la relación es más profunda es un medio de canalizar su esencia.
¿Cómo se controla sobre el escenario?
Es la primera vez que he utilizado un control auditivo en esta gira. Antes pensaba que no había retorno suficiente y no me gustaba la idea de depender totalmente de la mesa de mezclas. Me gusta el sonido acústico de la percusión -la forma de bombear y de respirar- y no llego a tener eso con el retorno en los auriculares. Pero estoy más de hecho, bien mezclado.
Con todos los retrasos de sincronización debidos al tiempo y a los efectos sonoros que Edge utiliza ¿Necesita mucho de el cuando mezcla?
Larry esta verdaderamente atado hacia lo que toca Edge, y a veces para mí es mejor que no escuche exactamente lo que toca Edge sino yo me oriento hacia un espacio rítmico diferente. Estoy atado hacia lo que Larry toca, y cualquier cosa que toque Edge estoy bien situado. Hoy en día puedo entender mucho más lo que toca Edge, tengo que hacer más cuidado porque tengo que adaptarme a lo que hago.
Edge posee una tonalidad tan distinta con numerosos efectos ¿Cómo influye eso en su sonido?
Teníamos una norma antes -era probablemente una buena- que era que solo un instrumento a la vez podía tener cualquier efecto. Generalmente es el de Edge. En nuestros comienzos yo hacía muchos efectos con los ecos, las fases… Lo que utilizaba a veces para ahogar las distorsiones.
¿Danos un ejemplo de la forma de utilizar los efectos?
La parte del bajo en “City Of Blinding Lights” es más bien alta, también hacen falta más notas bajas para adecuarse a la batería. Utilizamos un bajo modelo Line 6 Bass POD con el fin de añadir una octava más baja. Utilizo la POD para dar a nuestro ingeniero de sonido otro sonido para trabajar en casa.
¿Continúan Edge y usted mismo sin seguir los mismos acordes en algunas canciones?
Sí, es uno de nuestros viejos trucos en nuestra forma de proceder. Lo hacemos siempre a medio camino con el fin de dar un poco más de espacio a Bono para el canto.
¿También no sigue los acordes con el fin de utilizar más cuerdas de apertura?
Exactamente. Es el porque hay tantos cambios de instrumentos durante el concierto. Me gustaría enchufar solo un bajo y tocar de principio a fin.
¿Cuándo compone la instrumentación para el bajo, empieza usted por una idea, o experimenta hasta que encuentra algo que le gusta?
Tengo todavía en mente un punto de partida. La mayoría del tiempo es mi forma de entender la percusión lo que me guía. Cuando escucho la parte de batería, reacciono instintivamente: sea para empujarla, sea para alejarme de ella para envolverla. El bajo y la batería necesitan una forma de alquimia para hablarse una con otra.
¿Sobre el escenario, sus orejas están primero orientadas en las percusiones?
Sí, la batería me lo dice todo. Todo el resto es grabado en mi mente un segundo más tarde.
¿Qué espera escuchar de esa batería?
No sabría que decir. Miles Davis ha dicho un día que le gustaba conducir su Ferrari amarillo cuando pasaba de 70 millas por hora y empezaba a rugir. Es algo similar. Existe un instante preciso -solo se consigue tocando mucho- en el cual las fuerzas de Larry tocando la batería y las mías centradas en el bajo se integran y la electrónica de las dos señales se mezcla. Desde hace tiempo, hemos aprendido a llegar a eso. No he trabajado nunca en serio con otros bateristas. Pero he participado en sesiones de grabación extrañas con otros bateristas y ninguno de ellos me parece que se acercan al toque de Larry. Es algo propio al lugar donde balancea la batería golpeando con el pie. Existe una autoridad digamos en el golpe, que todo el resto parece seguirle. Con otros bateristas, la fase rítmica cambia, todo depende del lugar donde balancea el golpe contra la batería. Y todo esto parece ser que no exige un esfuerzo considerable por parte de Larry. Me deja soñar, porque tocar para mí exige un gran esfuerzo.
¿Qué es lo más duro en su trabajo?
No poseo la técnica que me permite de llevar a buen puerto mis ideas rápida y fácilmente. Soy del tipo de persona que se lleva por el instinto cuando se trata de encontrar un sonido diferente. Empiezo por lo contrario que pienso y generalmente no es una cosa fácil de tocar. Después, de esta postura extrema, lo voy llevando al centro y gradualmente lo afino hasta que sea más normal o convencional. Si uno empieza por lo fácil, es muy duro aventurarse en un nuevo territorio.
¿Intenta a veces de obligarse a no tocar demasiado?
No. A veces, estoy un poco frustrado del hecho de tocar siempre solo ocho notas. Pero al final del día, cuando tocamos todos en directo y esto es lo que funciona. Las ocho notas dirigen el grupo, ellas lo propulsan, y ellas forman el fundamente de lo que Edge y Bono hacen. Y existen tantas formas de hacerlo.
Parece ser que usted ha encontrado diversas razones para tocar ocho notas, por ejemplo, sea pellizcando las cuerdas o utilizando un pick. En “Beautiful Day” que tiene una base de ocho notas, usted toca con sus dedos (pellizcando las cuerdas) ¿Por qué?
Risas. ¿Sabe qué? Bono siempre ha querido que toque estas parte con un pick, porque pensaba que era la mejor línea conductora para las percusiones. Pero yo lo encontraba particularmente difícil de tocar ese riff con un pick. Lo podía escuchar y tocar con mis dedos pero cuando lo tocaba con un pick, me quedaba estancado. No se el por qué?. Hoy pienso que si hubiera utilizado un pick hubiera sido más mundano, porque la guitarra y el bajo llevarían al mismo riff, y eso no seriía tan sexy que el pasar por debajo de la guitarra con mis dedos. No hay nada comparable al contacto de los dedos que pellizcan las cuerdas. Pero para una canción como “All Because Of You”, esta posee una melodía perfecta para la utilización del pick. Me encanta.
En canciones más lentas como “Sometimes You Can´t Make It On Your Own”, usted tiene las notas en suspensión durante mucho tiempo. Cuando no tiene el ritmo conductor ¿Cómo encuentra usted el tempo?
Esta canción es muy problemática porque tiene un aire de mid-tempo con una secuencia de cuerdas descendente. Tengo la impresión que se parece a un agujero negro; hay que adaptarse a ello. Cuando trabajábamos sobre ello en el estudio, Edge cambiaba algunas cuerdas de base para intentar romper ese efecto, pero seguía siendo una secuencia descendente. Era frustrante porque no llegaba a encontrar una partición de base para remontar ese efecto. Queríamos cambiarlo ir en contra del previsible e inevitable final en F# (a, b, c, d, e, f,… do, re, mi, fa, sol, la…). El resultado final fue un híbrido. Sigo las bases y sobre los playbacks. Al final juntamos los dos trozos diferentes. Realmente no se puede tocar eso en directo, disponemos de un secuenciador que cubre los bajos al mismo tiempo que toca la parte melódica en los agudos. Es una súper pequeña contra melodía. De cualquier manera, es lo que hago con ocho notas, he tenido todavía el deseo de hacer resurgir una melodía, y de darle un contrapunto a lo que pasa.
¿Cuáles son los bajistas que usted piensa que son verdaderamente buenos para esto?
Siempre he tenido un gran respeto hacia Peter Hook. Ha logrado siempre transportar acordes melodiosos y melancólicos en Joy Division y New Order. El problema es que ha veces el fundamente esta ausente y que no es U2 -nosotros necesitamos una base para lo que hacemos. Me encanta todo lo que James Jamerson de la Motown nunca ha tocado. Su forma de tocar tiene tanto sentimiento, tiene un don y una gran personalidad. John Entwistle (de los Who) esta en el límite de la perfección técnica según mi pensar. A veces, es difícil encontrar humanidad en todo esto. Es como si fuera un atleta. Me siento atraído también por los que tocan R&B como Duck Dunn. Me gusta la pesadez de sus ritmos y me gustan sus melodías.
En Boy, usted tocaba zumbidos con cuerdas abiertas como Peter Hook en “Out of Control” y “The Electric Co.”
Mas bien, no teníamos muy buenos equipos, y la base raramente estaba bien. Entonces siempre he dicho que si tiene uno dos cuerdas en vez de una al mismo tiempo, eso siempre daría un poco de volumen. Hay que decir también que en aquella época Edge tocaba melodías para guitarras mínimas y era una manera de añadir potencia a las canciones. Era genial para lo que éramos entonces, un grupo de tres miembros.
¿Cómo ha afectado a su forma de tocar este hecho?
Reconozco que no jamás hemos tenido teclados para tapar todo esto. Solo con Edge y Larry existía una verdadero estado que no había sido explotado, era muy evidente. Esto producía una economía en mi forma de tocar al principio, pero esto producía igualmente una atmósfera de riesgo y a probar y obtener otras cosas en el espacio.
Pero una parte del sonido de U2 reside en este disco
A veces, es una decisión importante el decir, sabe usted, voy a solamente hacer boom-boom aquí, nada mas. Estoy mas tranquilo con eso hoy en día cuando, todo debería tener importancia. Como en “Vertigo”, es justamente un riff nada mas: es una situación pura, y es perfecta.
Por lo tanto usted tiene su propia manera de frasear esta línea
Son cosa que tanto que bajista, cuando uno llega a un riff cualquiera, hacia el que uno se dirige, o puedo hacer de eso una partición de bajo mas que una partición de guitarra. Y yo pienso que esto hace la diferencia. Esto asegura mas dimensión.
¿Esta usted emocionalmente ligado a los instrumentos que toca?
No demasiado. Poseo un bajo del 73 de la marca Presicion con el que toco desde el primer día. Me gusta pensar que es como un viejo caballo fiel. Lo adoro. Me gusta aun y sigo tocándolo todo el tiempo. Pero pruebo a desenchufarlo y tocar instrumentos diferentes. No estoy tan atado a un instrumento en particular. Lo toco de cuando en cuando y después paso a otra cosa. Pero existe una increíble diferencia con los bajos Vintage comparándolos con otros instrumentos de stock de las tiendas. Me gustan los instrumentos que tienen ya un pasado antes de adquirirlos. Tengo una Gibson Les Paul Recording Bass con mango corto de los años 70. Ignoro lo que tiene de particular pero es un instrumento que es una verdadera fuente de inspiración. Las cuerdas raramente se cambian, son casi las mismas que cuando lo he adquirido. Lo llevo siempre al estudio y lo guardo cerca de mí. Cuando lo uso, voy siempre a algún sitio, y toco pequeñas melodías. Es el que he utilizado para tocar la contra-melodía de “Sometimes You Can´t Make It on You Own”.
¿Qué es lo que busca usted en bajos?
Me gustan los de mango corto –estoy acostumbrado a este tipo de bajos. Pero para los tipos de concierto que damos y perteneciendo a un grupo de rock, necesito un poco mas de apoyo -son las Entwistle y J.J. Brunell (Stranglers). No me gustan demasiado las que tienen la empuñadura larga, que hacen daño. Sobre todo cuando experimentamos, busco bajos con un mango corto y ancho. Busco eso por encima de todo.
¿El grupo es consciente de tener un sonido?
Sí, creo que lo somos, pero no porque queramos seguir fiel a este -queremos saber hasta qué punto podemos alejarnos de el. Llevamos las ideas hasta sus extremos para encontrar sonidos diferentes. Y una vez hecho esto nos ponemos al corriente de las diferentes posibilidades, nos preguntamos a nosotros mismos lo que representa y de dónde venimos.
¿En ese sentido están normalmente de acuerdo en eso?
Normalmente sí. A veces discutimos un poco para que todos nos pongamos de acuerdo, pero en regla general si uno de nosotros no esta de acuerdo es la mayoría quien manda. Es una buena manera de actuar para proteger la habilidad del grupo a tomar una decisión. Tengo a veces la impresión de que hacemos continuamente el mismo disco, y que hemos llegado al final y que es la destilación la que ha llegado en nuestras respectivas vidas en esta época. Esta lleno de frescura pues tiene un gran número de aires -hemos trabajado muchísimo en la fase de escritura, pero lo hemos grabado muy rápido. Es muy directo.
Numerosos productores muy diferentes los unos de los otros les han acompañado, Daniel Lanios y Steve Lillywhite han trabajado con ustees en este álbum ¿Hablenos de algunas de sus fuerzas?
Danny es un músico en el alma –es genial para poner firmes a los músicos, les ayuda a colocar lo que producen con una u otra resonancia. Necesitamos eso porque muchas veces no tenemos los pies en la tierra en el estudio, despegamos emocionalmente e intelectualmente. Steve es genial para saber de lo que es capaz de hacer el grupo y de puntualizar cuando no damos todo los que somos capaces de dar. Sin contar que es infatigable.
¿Cuál ha sido su progresión como músico y bajista a lo largo de estos años?
A veces, tengo la impresión de no haber progresado demasiado. Siento esto, sobre todo en estos dos últimos años, hay una exactitud que se ha introducido en mi forma de tocar que no estaba ahí antes. A veces no estoy seguro de saber si la economía al tocar es un crecimiento o una atrofia. Pero Edge siempre dice que las notas suenen diferentes cuando las toco. Yo supongo que es eso –sin pensar, por instintos qué notas tocar, cómo tocarlas, la fuerza que les debo dar y cuánto tiempo debo mantenerlas. Hoy en día simplemente tomo las mejores decisiones mas rápidamente. Yo se que lo que hago no tiene probablemente nada de extraordinario o inhabitual -creo que otros podrían hacerlo. Pero esos otros probablemente harían una elección diferente a la mía. Resumiendo, simplemente es cuestión de personalidad.
Fuente: Foro de U2Valencia